La prospettiva nel Rinascimento
Arte e immagine · seconda media · 3 minuti di lettura
Vai alle 4 domandeNel Rinascimento gli artisti italiani si posero un problema importante: come rappresentare su una superficie piana, come una tavola o una parete, lo spazio tridimensionale che vediamo con gli occhi. Nel Medioevo le figure venivano spesso disegnate senza un ambiente realistico, con sfondi dorati o piani sovrapposti. Gli artisti del Quattrocento, invece, volevano che un dipinto sembrasse una finestra aperta sul mondo. Per riuscirci studiarono la geometria e la matematica e svilupparono un metodo preciso chiamato prospettiva.
La prospettiva lineare centrale è un sistema che permette di disegnare gli oggetti come li vede un osservatore posto di fronte alla scena. Si basa su un'osservazione semplice: le cose più lontane ci appaiono più piccole di quelle vicine. Inoltre, le linee che nella realtà sono parallele e si allontanano da noi, come i bordi di una strada o le travi di un soffitto, nel disegno sembrano avvicinarsi sempre di più fino a incontrarsi. Il pittore le rappresenta quindi con linee inclinate, che si dirigono tutte verso lo stesso punto.
Quel punto si chiama punto di fuga ed è l'elemento fondamentale della costruzione prospettica. Nella prospettiva centrale si trova in genere al centro del quadro, sulla linea dell'orizzonte, che corrisponde all'altezza degli occhi di chi guarda. Le linee che vi convergono si chiamano linee di fuga. Per costruire un'immagine, l'artista prima fissa l'orizzonte e il punto di fuga, poi traccia queste linee come una griglia e dispone su di essa edifici, pavimenti e personaggi, riducendone le dimensioni man mano che si allontanano. Per questo motivo i pavimenti a riquadri sono molto usati nei dipinti dell'epoca: mostrano con chiarezza come lo spazio si restringe verso il fondo.
Il primo a sperimentare queste regole fu l'architetto Filippo Brunelleschi, che a Firenze studiò il modo di rappresentare con precisione edifici reali. Egli è considerato l'inventore della prospettiva lineare, e le sue idee furono poi messe per iscritto e diffuse da altri studiosi e artisti. Brunelleschi era anche un grande costruttore: a lui si deve la cupola della cattedrale di Firenze, simbolo della città. La sua attenzione per la proporzione e per l'armonia degli spazi influenzò l'intera cultura del Rinascimento.
Tra i primi pittori ad applicare la nuova tecnica ci fu Masaccio. Nella sua opera più celebre, la Trinità, dipinta nella chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, creò una cappella con volta a botte che sembra scavare davvero la parete. Le figure appaiono solide e pesanti, illuminate da una luce che dà loro volume. Masaccio abbandonò così la rigidità dell'arte precedente e rese i personaggi simili a persone reali, che occupano uno spazio vero.
Grazie alla prospettiva nasce l'effetto di profondità, cioè l'impressione che nel dipinto esista uno spazio che prosegue oltre la superficie. A questo risultato contribuiscono la diminuzione delle dimensioni, le linee di fuga, la sovrapposizione delle figure e i giochi di luce e ombra. Da allora la prospettiva divenne un punto di riferimento per la pittura europea per secoli.
Questo ripasso è stato scritto con l'aiuto dell'intelligenza artificiale e riletto prima di essere pubblicato. Per la verifica vale sempre quello che c'è sul tuo libro e che ha spiegato l'insegnante.
